¿De dónde viene la danza contemporánea?

Para hablar de danza contemporánea es indispensable hacer un recuento de la historia de la danza para entender el tipo de danza que tenemos en la actualidad y cómo se ha transformado. En este artículo les dejamos un corto recorrido por la historia desde el ballet, pasando por la danza moderna para llegar a la danza contemporánea.

 

El ballet nació en el siglo XVIII en Francia y sus espectáculos fueron creados por solicitud de la corte para ser presentados en las fiestas de la nobleza. Estos espectáculos eran creados en conjunto entre el maestro de danza, el dramaturgo y el compositor musical. Así, la danza hacía parte de las tragedias líricas, siempre en unión con otros componentes. Los temas de estos espectáculos eran principalmente historias fantásticas y románticas. El auge de estos eventos fue durante el reinado de Luis XIV en Francia. Él tenía un gran interés por la danza, al punto de participar como intérprete en los espectáculos; su personaje fue denominado como El Rey Sol. Durante su reinado, esta técnica tuvo gran desarrollo; el coreógrafo y bailarín Pierre Beauchamp fue nombrado director de la escuela de la Ópera donde empezó a desarrollar y a definir el vocabulario del ballet (definición del en dehors y de las 5 posiciones de los pies). Así mismo, creó uno de los primeros sistemas de escritura del movimiento con Raoul-Auger Feuillet. Los espectáculos que creó fueron principalmente en colaboración con Lully en la música y Molière en la dramaturgia. 

 

Otra de las personalidades importantes para esta técnica es Jean Georges Noverre, quien escribió Cartas sobre la danza y sobre los ballets, en el cual se da a conocer el ballet de acción el cual desarrolla la pantomima. Es reconocido por la creación de más de 50 ballets durante el período romántico.

 

A partir de la mitad del siglo XIX, el ballet empezó a sufrir algunos cambios emprendiendo así el periodo Académico. El protagonista de este periodo es el coreógrafo francés Marius Petipa, quien trabaja en el Teatro Mariinski (hoy Teatro Kirov) en San Petersburgo. Este lapso se caracteriza por la definición de la técnica, el énfasis en el virtuosismo y la utilización del tutú y las puntas para las bailarinas. Bajo su dirección se formaron Nijinsky, Pavlova y Fokine (bailarines de los Ballets Russes). Petipa utilizó las danzas de carácter para crear historias y hacerlas verídicas, se interesó por las danzas de carácter tradicionales de las diferentes culturas y las incluyó en sus obras. Algunos de los ballets más famosos de esta época son La bella durmiente, El lago de los cisnes y Cascanueces.

 

Las principales características del ballet son:

• La escena a la italiana: relación frontal con el público.

• Uso del “en dehors” o rotación externa de las piernas.

• La verticalidad buscando alejarse del piso, uso de las puntas y búsqueda del virtuosismo.

• Columna vertebral erguida.

• Vocabulario definido: los pasos fueron creados y repertoriados. Sus nombres son en francés.

• Las obras son de tipo narrativo: historias de amor, fantásticas, con muchos personajes.

• Música hecha a la medida: el compositor y maestro de ballet trabajaban en conjunto para que la música apoyara las acciones y la dramaturgia de la danza.

• Uso de la pantomima.

• Rol del hombre y la mujer definidos: el hombre es visto como esa fuerza masculina, con la búsqueda de saltos altos y de una gran destreza para acompañar a la mujer; ella siempre muy delicada y estilizada.

• Búsqueda de la homogeneidad: cuerpos fuertes y elásticos, con líneas largas.

 

Sin embargo, a principios del siglo XX hubo una ruptura en la escena del ballet con las coreografías propuestas por Nijinsky, especialmente La siesta de un fauno y La consagración de la primavera. En estas obras Nijinsky propone una danza nueva para la época, saliéndose de los parámetros establecidos por el ballet y poniendo en escena temas relacionados con la vida mortal. 

 

El siglo XX llega así cargado de cambios en todos los contextos de la vida humana: la revolución industrial, la Primera y Segunda Guerra Mundial, la reivindicación de los derechos de las mujeres, entre muchos otros sucesos importantes. Es en este momento que aparece la danza moderna en Estados Unidos y en Alemania con precursores como Isadora Duncan, Ruth Saint Denis, Ted Shawn, Doris Humphrey, Loïe Fuller, Martha Graham, Rudolf Laban, Mary Wigman, Kurt Jooss, Hanya Holm. La relación que establecen con la danza y con el cuerpo es muy diferente a la del ballet, puesto que estos bailarines crean a partir de sus propias ideas y necesidades, sin buscar continuar con la estética o las exigencias de los espectáculos de danza instaurados hasta ese momento. Aparece una relación estrecha con el piso, las coreografías se inspiran en la naturaleza, la mujer muestra su cuerpo y su sensualidad y buscan principalmente expresar sus sentimientos. El uso de las puntas empieza a desaparecer y el escenario y vestuario se simplifican con el uso de menos accesorios. En este momento empiezan a aparecer nuevos lenguajes de movimiento que poco a poco se irán convirtiendo en técnicas de danza. Estas cuentan principalmente con la búsqueda de la movilidad de la columna vertebral permitiéndole explorar todos los movimientos que esta posibilita. 

 

Rudolf Laban contribuye fuertemente a esta transformación por medio del análisis del movimiento que emprende. Sus teorías sobre el espacio y el movimiento del cuerpo humano amplían la visión de cuerpo y de danza que se tenía hasta ese momento. Se empiezan a entender todas las posibilidades que tiene el cuerpo para relacionarse consigo mismo y con el entorno. Así mismo, Laban hace un gran aporte a la pedagogía de la danza con sus diferentes textos y ayuda al desarrollo y preservación del arte coreográfico con la creación del sistema de escritura del movimiento Laban Notation o Cinetografía Laban. 

 

A partir de la década de 1970, la danza posmoderna empieza a aparecer. El uso de la tecnología, las intervenciones en espacios no convencionales, la improvisación, la colaboración con artistas plásticos y audiovisuales marcan esta época. Coreógrafos como Merce Cunningham, Trisha Brown, Carolyn Carlson, Steve Paxton, Yvonne Rainer, Lucinda Childs, Simone Forti, Pina Bausch y Anne Teresa de Keersmaker son algunos de los referentes de este momento. La danza continúa ampliando sus posibilidades; se pregunta por el virtuosismo, por el rol del hombre y la mujer, por la relación con la música y la posibilidad de vincularse con otras disciplinas artísticas que evidencian cuestionamientos del hombre moderno. Cada vez se propone explorar estas diferentes inquietudes llegando a nuevas formas de tratar del cuerpo en relación con el tiempo, el espacio, sus capacidades expresivas y sus cualidades físicas.

 

Un ejemplo importante es el trabajo desarrollado por Merce Cunningham y el músico Jhon Cage el cual marca una ruptura en la manera como la danza siempre se había relacionado con la música, permitiéndose incluso bailar en silencio. Adicionalmente, aparece el concepto del azar de la mano con la improvisación, propiciando el desarrollo de  nuevas capacidades creativas y de escucha en los bailarines y la aparición de diversos lenguajes de movimiento así como tipos de obras; el bailarín ya no sólo se desempeña como intérprete-ejecutor sino también como creador. 

 

Este es una de las manera de danza que tenemos actualmente: una danza que busca transmitir las sensaciones y situaciones que acontecen social y políticamente en el contexto, en la que el cuerpo no tiene límites, donde existen tantos lenguajes de movimiento como de coreógrafos, donde el cuerpo está constantemente en relación con elementos de otras disciplinas y donde la relación con la gravedad es cada vez más desafiante. 

Algunos de los coreógrafos y bailarines referentes actualmente son: Ohad Naharin, Akram Khan, David Zambrano, Sidi Larbi Cherkaoui, Anne Teresa de Keersmaker, Jiri Kylian, Mauricio Wainrot, Wym Vandekeybus, Sasha Waltz, La Ribot entre muchos otros que están en investigación continua.